Five Questions for Stephen Marsh

SM: Sie wissen, dass es so ist, aber es ist nicht so. Formate kommen und gehen, Trends kommen und gehen, Hardware und Software kommen und gehen – aber die Aufgabe ist dieselbe: ein Musikstück klanglich in Übereinstimmung mit der Vision des Künstlers zu gestalten. Es ist das Gleiche, ob wir den Klassiker Bob Dylan von analogen Kassetten für den audiophilen Markt remastern oder EDM-Tracks für das Club- und Kopfhörerpublikum zum Knallen bringen. Das Seltsame daran, und was meiner Meinung nach die meisten Leute abschreckt, ist, dass, wenn die Technik und die Produktion solide sind, der größte Teil unserer Richtung von der Aufnahme selbst abhängt. Ich kann nicht für alle Mastering-Ingenieure da draußen sprechen, aber für mich selbst sagt mir der Mix im Allgemeinen mindestens so viel wie der Künstler selbst. Zum größten Teil haben sie bereits gesagt, was sie mit der Aufnahme sagen wollten, und haben den Mix und das Feeling des Songs gestaltet – so wird das zu meiner Bibel –, natürlich basierend auf dem zusätzlichen verbalen Input, den die Künstler und Produzenten direkt gegeben haben und was auch immer wir hören im Raum. Ich sage gerne, dass wir als Mastering-Ingenieure „quasi-kreativ“ sind, weil so viel von dem, was wir tun, auf der Arbeit anderer aufbaut und von Natur aus „zielgerichtet“ ist. Allerdings haben wir auch die große Freiheit, bei Bedarf etwas an einen ganz anderen Ort zu bringen. Je nachdem, wie ganz am Ende des Prozesses wir ankommen, hören wir die Dinge anders. Wir sind gezielt und bewusst eine objektive Zwischenstation auf dem Weg zum kommerziellen Konsum. Teils kreativ, teils technisch, teils diagnostisch, alle diese Elemente gipfeln im Mastering-Raum mit dem Ziel, den Künstler seinem Publikum mit der vom Künstler gewählten Stimme zu präsentieren, nichts hat etwas hinzugefügt, nichts weggenommen.

Um das Mastering mit dem Mischen in Verbindung zu bringen, möchte ich sagen, dass, wenn das Mischen das Zuhören von „von innen nach außen“ bedeutet – also alle Teile einzeln kontrollieren und zum Ganzen ausbalancieren –, dann das Mastering ein Zuhören von „von außen nach innen“ ist. Eine Chance, einen Schritt zurückzutreten, all diese vermischten Teile wieder in ein menschliches Wesen zu integrieren und dann eine subtile Klangbalance anzuwenden, um das Beste aus der Musik herauszuholen. Diese Funktion des Mastering Engineers – ein wichtiger „Bauchcheck“ für die Bearbeitung vor der Veröffentlichung – hat sich seit meinem Start nicht geändert und ich glaube nicht, dass sich das in absehbarer Zeit ändern wird. Immer mehr Künstler nehmen weniger strukturiert auf, oft im Do-it-yourself-Stil, während gleichzeitig die Qualität der Musikwiedergabe- und -bereitstellungssysteme sprunghaft verbessert wird. Angesichts dieses Konstrukts ist der Beitrag, den modernes Mastering für ein Projekt leisten kann, nicht zu unterschätzen. Es hat das Geschäft für eine ganz neue Generation von Mastering-Ingenieuren geöffnet, die der gestiegenen Nachfrage nach Mastering auf der ganzen Welt gerecht werden.

SM: Ich hatte das glückliche Vergnügen, immer nur für Dinge in eine Schublade gesteckt zu werden, die ich wirklich LIEBE mache, wie zum Beispiel Filmmusikalben oder Neuauflagen speziell für den audiophilen Markt. Ich würde sagen, dass die Herangehensweise an das Mastering ziemlich ähnlich bleibt. Ich versuche nie, etwas in eine Form zu bringen, in die es nicht passen sollte, daher ist mein allgemeiner Ansatz eher „keinen Schaden anrichten“ und ich weiche im Allgemeinen nicht ohne eine konkrete Aufforderung davon ab. Es stimmt jedoch, dass sich einige rudimentäre Dinge von Projekt zu Projekt ändern. Beim Mastering audiophiler Veröffentlichungen verwenden wir beispielsweise KEINE Komprimierung, keine. Keine Kompressoren, Limiter, Maximierer oder Clipping-Konverter – nichts, was den ursprünglichen dynamischen Inhalt des Programms beeinträchtigen könnte, genau so, wie es der Künstler für richtig hielt, ihn im Originalmix darzustellen. Das ist meiner Meinung nach der Unterschied zwischen audiophilem Mastering und kommerziellen Mainstream-Veröffentlichungen. Sie erhalten die volle Dynamik und natürliche Klangbalance des Mixes ohne Kompromisse. Während wir bei einem Pop-Track vielleicht ein wenig Druck auf etwas ausüben, um es lauter zu machen – wir tun absolut nichts außer einer guten Gain-Stufe innerhalb der Kette für den Pegel, ist die Lautstärke einfach kein entscheidendes Anliegen.

Wenn man die Anforderung aufhebt, dass etwas „laut, aber dennoch gut“ gemacht werden soll, was sozusagen eine Standardanforderung ist, verbringt man am Ende seine ganze Zeit damit, es … nun ja, gut klingen zu lassen. Das öffnet die Tür ein Stück weiter, etwas zu schaffen, das in meinen Augen tatsächlich „großartig“ ist. Anders ausgedrückt: Ich kann wirklich gut klingende Platten machen, die auch sehr laut sind – aber es ist viel schwieriger, eine wirklich laute Platte „großartig“ klingen zu lassen. Man kann es machen, und zwar gut, aber ab einem gewissen Punkt lässt sich der Dynamikverlust nicht mehr auf musikalisch ansprechende Weise überwinden und man muss auf einige der guten Dinge verzichten, die im Schatten der Aufnahme leben – der Raum zwischen den Noten, im Namen der Lautstärke.

Nun, ich hasse Lautstärke nicht, manche Musik braucht diesen Druck, sonst fühlt sie sich nicht richtig an. Ich mag den Klang auch nicht, wenn er zu weit getrieben wird. Meiner Meinung nach ist das Bewusstsein für die „Lautheitskriege“ inzwischen ziemlich weit verbreitet, und wenn ein Künstler heutzutage beschließt, ihn voranzutreiben, ist das eine kreative Entscheidung, über die er die ultimative Kontrolle hat. Ich neige eher dazu, ein oder zwei dB zu stoppen und ein Gespräch mit meinem Kunden zu führen, bevor wir uns nur um der Lautstärke willen zu sehr auf den Weg der Lautstärke begeben. Allerdings muss man sehr darauf achten, die Kreativität eines Künstlers nicht durch den Namen oder die klangliche Reinheit zu unterdrücken, wenn es in der Musik nicht darum geht. Den Mittelweg irgendwo zwischen sachkundigem Klangrichter und Jury und weit aufgerissenen, aufgeschlossenen musikalischen Verschwörern zu finden, ist eines der Dinge, die die besten Mastering-Ingenieure wirklich von der Masse abheben.

SM: Seien Sie aufmerksam, suchen Sie nach Wissen – aber verzetteln Sie sich nicht zu sehr bei der Suche nach einem Ingenieur. Abgesehen von alltäglichen Dingen wie einer überprüfbaren Kreditliste, einer geeigneten Hörumgebung und den richtigen Werkzeugen für die Arbeit suchen Sie im Wesentlichen nach zwei Dingen. 1) eine Person, mit der Sie das Gefühl haben, dass Sie frei und offen über Ihre Musik sprechen und sie dann loslassen können, und 2) eine Person, mit der Sie sich sicher fühlen, mit der Sie zusammenarbeiten können, wenn Ihnen die Sichtweise des Ingenieurs beim ersten Durchgang nicht gefällt. Ich kann das gar nicht genug betonen – wenn Sie sich nicht wohl dabei fühlen, Ihrem Techniker zu sagen, dass Sie denken, dass etwas Mist klingt, und gleichzeitig darauf zu vertrauen, dass er das Problem beheben kann, sollten Sie unzufrieden sein – suchen Sie sich sofort einen anderen! Der Ingenieur kann Ihnen mehr und bessere Optionen anbieten, wenn er genau weiß, wo Sie stehen. Kommunizieren Sie, dann vertrauen Sie, aber überprüfen Sie es mit Ihren Ohren. Am Ende des Tages sollte es immer noch wie Ihre Musik klingen.

Die andere Falle, die ich vermeiden sollte, besteht darin, zu lernen, wie man alles selbst macht. Heimwerken kann funktionieren, aber wird es die besten Ergebnisse liefern und wird es Ihren ultimativen Zielen als Künstler am besten dienen? Eines der wichtigsten Werkzeuge, die jeder Mastering-Ingenieur mitbringen kann, ist eine objektive Sichtweise. Ein Künstler kann auf keinen Fall so tun, als hätte er nach zweimonatiger Aufnahme und zweiwöchigem Feintuning keinen Mix gehört. Da es so viele Informationen zu allem und jedem gibt, ist es nur natürlich, zu versuchen, so viel wie möglich selbst zu lernen und zu tun. Der Nachteil ist, wie ich es erlebe, dass man sich eines der Dinge entledigt, die das Schaffen von Musik so magisch machen – die unscharfe Mathematik, die entsteht, wenn man eine Gruppe besonders talentierter kreativer Menschen für ein Projekt zusammenbringt und dabei herauskommt eine Gesamtsumme, die größer ist als alle einzelnen Teile; Addiere 1 + 1 + 1 und erhalte 5. Das kann nur passieren, wenn Menschen ihre Musik und Klangwelten gemeinsam erkunden.

Wenn es wahr ist, dass Ihr Potenzial über die Grenzen Ihrer Gegenwart hinausgeht – wenn Sie in Ihrer eigenen Welt auf Nummer sicher gehen, werden Sie nie weit kommen. Hier und da einen Experten hinzuzuziehen, macht Sie nicht weniger zu einem Künstler, ganz im Gegenteil. Wir haben GIK hinzugezogen, um unserem neuen Mastering-Raum einen fantastischen Klang zu verleihen, und sie haben geliefert. Wenn Sie die richtigen Leute engagieren, kann Ihre Kreativität auf eine Weise entfalten, die Sie sich nicht hätten vorstellen können.